TUICO Y LA FOTOGRAFIA

Irving Penn

Estudió diseño en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia, de la cual egresó en 1938. Su profesor fue el fotógrafo Alexey Brodovitch, quien más tarde sería su colega en la revista Harper’s Bazaar.

Fue uno de los Grandes Fotógrafos de Nuestro Tiempo. Centradas específicamente en sus retratos de grandes figuras de la cultura de las últimas siete décadas, Irving Penn Retratos es una celebración gloriosa de su obra en este género.

Para Penn, como para otros grandes fotógrafos de nuestro tiempo, los propios intereses fotográficos y la fotografía de encargo acaban siendo la misma cosa. Son expresión de una visión del mundo, de un especial interés por el medio fotográfico, que ofrece la posibilidad de aproximarse de una forma muy particular a sus semejantes y al medio circundante, para interpretarlos finalmente de una manera inconfundible.

Sus obras, hoy en día, se exhiben en los principales museos del mundo, incluidos el MoMA y el Metropolitan de Nueva York, el Moderna Museet de Estocolmo, la National Gallery de Washington y el Art Institute de Chicago. Trabajó para Vogue hasta el final de sus días. En uno de sus últimos trabajos, una foto de un pomposo traje de Christian Lacroix en abril de 2008, volvía a aquel estilo que le hizo famoso: una modelo posando, con los ojos cerrados, sobre un fondo de papel blanco, arte en su sencillez.

Ansel Adams

Ansel Adams nació en 1902 en San Francisco. Su tema fotográfico principal fueron los paisajes.

En un viaje a Yosemite, California, captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles. En sus fotografías no suelen aparecer personas.

Entre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth (1960) y Yosemite and the Range of Light (1979). Entre sus numerosos libros sobre fotografía tiene especial importancia la trilogía de manuales técnicos sobre la cámara, el negativo y la copia.

"La fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético." - Ansel Adams (1902 - 1984).

No hay nada peor que una imagen brillante de un concepto borroso.

Una fotografía no es un accidente, es un concepto.

La fotografía del paisaje es la prueba suprema del fotógrafo, y a menudo la decepción suprema.

En el ojo de mi mente, visualizo un detalle. La vista y la sensación aparecerán en una impresión. Si me excita, hay una buena ocasión que hará una buena fotografía. Es un sentido intuitivo, una capacidad que viene de mucha práctica.

Doce fotografías significativas en un año cualquier son una buena cosecha.

Eugène Atget

Fotógrafo francés. Su carrera se inició a los cuarenta años, tras su intento de ser actor. Entre 1898 y 1926, reunió más de 8.000 placas, que recogían la arquitectura y la vida de los barrios de París. Su estilo se basa en un lenguaje testimonial y documental en el que las imágenes, carentes de experimentación técnica, transmiten de forma sugerente una fácil comunicación. Su obra fue reconocida en la década de los veinte por el movimiento surrealista.

Diane Arbus

Con una familia interesada en la fotografía esta mujer ha pasado a la historia por sus capturas en blanco y negro. Otra de las grandes, aprendió mucho de lo que sabía de Eugène y muchos otros, también de su padre que fue fotógrafo para Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial.

Richard Avedon

Uno de nuestros contemporáneos que murió hace bien poco, en 2004. Fue un visionario, Avedon produjo fotografías borrosas por el movimiento del modelo, algo bastante innovador en el mundo de la moda, por ejemplo.

Henri Cartier-Bresson

De Henri podemos aprender mucho de fotografía en la calle, de retratos, de momentos y de personas. Su ojo para capturar instantes era maravilloso, algo inspirador para los que nos gustaría ser grandes fotógrafos.

“En fotografía, la cosa más pequeña puede llegar a ser un gran tema, un insignificante detalle humano puede convertirse en un leitmotiv. Nosotros vemos y hacemos que se nos vea como testigos del mundo que nos rodea, el evento, en su actividad natural, genera un ritmo orgánico de las formas.” – Henri Cartier-Bresson

10 cosas que Henri Cartier-Bresson puede enseñarte sobre fotografía de calle

1. Cuidar la geometría y composición
2. Se paciente
3. Viaja
4. Elige (y quédate con) una lente
5. Tomar fotos de niños
6. Se discreto
7. Mira el mundo como un pintor
8. No recortes tus fotos
9. No te preocupes por el procesado
10. Esforzarse por lograr mejores imágenes

Robert Frank

Americano inmigrante con unos ideales políticos igualitarios que por desgracia le perjudicaron gravemente ya que había una creciente intolerancia a las diferencias raciales e ideológicas, que se intensificaron en el clima de la Guerra Fría de la década de 1950. Nos dejó imágenes como esta:

Walker Evans

Walker Evans es uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Sus elegantes y nítidas fotografías y publicaciones articulados han inspirado a varias generaciones de artistas, de Helen Levitt y Robert Frank a Diane Arbus, Lee Friedlander, y Bernd y Hilla Becher. El progenitor de la tradición documental en la fotografía americana, Evans tuvo la extraordinaria capacidad de ver el presente como si ya fuera el pasado, y para traducir ese conocimiento y visión histórica inflexión en un arte perdurable.

Lee Friedlander

Fotógrafo y artista. En los años 1960 y 70, trabaja principalmente con cámaras de 35 mm y película en blanco y negro, Friedlander desarrollado un lenguaje visual influyente e imitado a menudo de las zonas urbanas 'paisaje social', con muchas de las fotografías que incluyen fragmentos de las reflexiones frente de la tienda, las estructuras enmarcadas por vallas , carteles y letreros callejeros.

William Eggleston

Nació en 1939 y es uno de los grandes que sigue vivo. Se habla de él y su técnica en cualquier conferencia, sus fotografías son impresionantes, ha vivido y sobrevivido a los cambios de la tecnología fotográfica.