LEONARDO DA VINCI

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j.luis  Moderador Registrado: Diciembre 2005 Mensajes: 13751 Edad: 54 Ubicación: Madrid 872901 Medallas: 4 (Ver Mas) Usuario #: 50	LEONARDO DA VINCI    Este trabajo recopilatorio está dedicado al italiano Leonardo Da Vinci -quizá- el mayor gran genio de las artes. Fue famoso pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico, además realizó numerosas investigaciones científicas en anatomía, óptica e hidraúlica anticipandose a muchos de los avances de la ciencia moderna. Sus teorías se basan en una precisa observación y documentación. Leonardo da Vinci (1452-1519), nació el 15 de Abril de 1452 en Vinci (Toscana) cerca de Florencia, Italia. Dejó gran parte de su producción pictórica inacabada, fué un artista extremadamente innovador e influyente, su etilo en un comienzo es similar al de su maestro Verrocchio para ir evolucionando, mas tarde, hacia un estilo mas libre. Leonardo nació en Anchiano, cerca de Vinci, Italia; antes de que se adoptaran las convenciones de nombres actualmente vigentes en Europa, por lo que a su nombre de pila se añadió el de su padre (Ser Piero) y la localidad de nacimiento siendo entonces "Leonardo di ser Piero da Vinci". Sin embargo, Leonardo acostumbraba firmar sus trabajos como Leonardo o Io, Leonardo (yo Leonardo), es decir, sin emplear el nombre de su padre, lo que induce a pensar que era hijo ilegítimo. Leonardo creció con su padre en Florencia. A lo largo de su vida Leonardo se mantuvo como vegetariano por razones éticas. Sus primeros bocetos eran de tal calidad que tan pronto como su padre los mostró al pintor Andrea del Verrocchio este tomó al joven de catorce años como aprendiz. Posteriormente Leonardo montó su propio taller como pintor independiente en Florencia. En 1506 Leonardo se encuentra con el Conde Francesco Melzi, de quince años, hijo de un aristócrata de Lombardía y que poseía una gran apostura. Luego de tempestuosas escenas de celos, Salai acepta un nuevo arreglo en su relación con Leonardo y los tres llevan a cabo varias giras a través de Italia. Aunque Salai fue siempre presentado como su discípulo, jamás produjo la más mínima obra. Melzi, de todos modos, se convirtió en su discípulo y compañero de toda la vida. Entre 1482 y 1499 trabajó para el duque de Milán Ludovico Sforza y mantuvo su propio taller, en el que trabajaban varios aprendices. Setenta toneladas de bronce que habían sido reunidos para la realización de la estatua de un caballo llamada "Gran Cavallo" se fundieron para fabricar armas para el Duque en un intento de salvar Milán de los franceses bajo el reinado de Carlos VIII de Francia en 1495. Leonardo permaneció en Milán por un tiempo, hasta que una mañana se encontró con que arqueros franceses estaban usando su modelo de arcilla a escala real para el "Gran Cavallo" como blanco de práctica para el tiro. Abandonó entonces Milán, junto a Salai y su amigo Luca Pacioli (que era inventor y contador), yendo a Mantua, mudándose de nuevo a los dos meses hacia Venecia y volviendo a Florencia a finales de abril del 1500. Desde 1513 a 1516 vivió en Roma, donde en ese momento trabajaban pintores como Rafael y Miguel Ángel; no tuvo sin embargo mucho contacto con estos artistas. De todas maneras se cree que la presencia de Leonardo fue de importancia capital para el cambio de sitio del "David", la obra maestra de Michelangelo, quien al parecer estaba disgustado por ello. En 1518 Salai abandonó a Leonardo y retornó a Milán, donde más adelante pereceria en un duelo. El rey llegó a convertirse en un amigo cercano del artista. Falleció una semana antes de su 67 cumpleaños en Cloux, Francia, en 1519 en los brazos del rey Francisco. De acuerdo a sus deseos, 60 mendigos siguieron su ataud. Fue enterrado en la capilla de Saint-Hubert en el castillo de Amboise. Melzi fue su principal heredero y albacea, pero Salai no fue olvidado: recibió la mitad del viñedo de Leonardo. Leonardo es bien conocido por su obra pictórica, entre la que destacan La Gioconda (actualmente en el museo del Louvre de París) y La última cena. Sin embargo, hasta nuestros días sólo han llegado 70 pinturas y ninguna de sus esculturas. Leonardo era un pintor compulsivo que a menudo planeaba grandes obras pictóricas para abandonarlas sin terminar. En 1481 se le encargó la decoración del altar La adoración de los Magos. Después de grandes proyectos y numerosos bocetos, la obra fue abandonada sin terminar cuando Leonardo se trasladó a Milán. Allí invirtió algunos años planeando y realizando modelos de la estatua de un monumental caballo de bronce de 8 metros que iba a alzarse en Milán. A causa de la guerra con Francia, el proyecto nunca se llevó a cabo. Por iniciativa privada, se construyó en 1999 en Nueva York una estatua construida según sus planos que fue donada a la ciudad de Milán, donde se erigió. De regreso a Florencia, recibió el encargo para la ejecución de un mural público junto con Miguel Ángel, que fue el elegido para ornar la pared opuesta. Tras realizar una gran variedad de estudios para el proyecto, abandonó la ciudad. Sus detallados estudios de la anatomía, como por ejemplo el Hombre de Vitruvio, son quizá más impresionantes que sus trabajos pictóricos, al igual que sorprenden aún sus trabajos sobre ingeniería, los pájaros, el vuelo y otras áreas que suscitaron su insaciable curiosidad. Sus elucubraciones sobre temas técnicos y científicos eran registrados por Leonardo con minuciosidad y en ellos se combinaba perfectamente el arte con la ciencia para representar de la mejor manera posible la materialización de sus ideas. Sin embargo, con cierto afán críptico, como si no quisiera desvelar del todo sus descubrimientos, Leonardo, que era zurdo, realizaba sus escrituras reflejadas, escribiendo de izquierda a derecha. En 1502 Leonardo proyectó un puente de 240 m de luz que formaba parte de un proyecto de construcción para el Sultán Bayaceto II de Constantinopla. La obra jamás se realizó, sin embargo, en 2001, la idea se resucitó para la construcción de un puente en Noruega basado en el diseño de Leonardo. Dotado de una aguda capacidad de observación, su aproximación a la ciencia nunca destacó por sus explicaciones teóricas ni por recurrir a experimentos; en cambio, para comprender los fenómenos que le interesaban los describía y dibujada hasta sus últimos detalles; planeando realizar una gran enciclopedia basada en detallados dibujos de todo lo conocido. Sus notas contienen dibujos de numerosas innovaciones como diversas máquinas para volar, un helicóptero, armas de fuego, tanques armados, un submarino y un dispositivo con engranajes que se cree era una máquina para calcular. Curiosidades: El 3 de enero de 1496 ensayó una de sus máquinas para volar sin éxito. Leonardo nunca publicó o distribuyó los contenidos de sus manuscritos que permanecieron inéditos hasta el siglo XIX cuando Practicó las técnicas del sfumato (Eliminar los contornos netos y precisos de las lineas y diluir o difuminar estos en una especie de neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera) y del claroscuro (modelar las formas a través del contraste de luces y sombras). A continuación hago una recopilación de su obra, espero que os guste. Leonardo da Vinci, estatua en la plaza de los Uffizi. Florencia. Italia Resumen Biográfico: Leonardo da Vinci. Nació el 15 de abril de 1452 en Vinci, cerca de Florencia[/b]. [b]En 1460 se trasladó junto a su familia a Florencia, donde se formó. En torno a 1466 asistió al taller de Andrea del Verrocchio, donde se inicia en diversas actividades, desde la pintura de retablos y tablas hasta la elaboración de grandes proyectos escultóricos en mármol y bronce. En 1472 fue admitido en el gremio de pintores de Florencia y en 1476 todavía se le menciona como ayudante de Verrocchio, en cuya obra El bautismo de Cristo (c. 1470, Uffizi, Florencia), pintó el ángel arrodillado de la izquierda y el paisaje de matices neblinosos. Su primer encargo fue un retablo para la capilla del Palazzo Vecchio, del ayuntamiento florentino aunque no llegó a ejecutarse. Su primera gran obra, La adoración de los Magos (Uffizi), que dejó inacabada, se la encargaron los monjes de San Donato de Scopeto, cerca de Florencia, hacia 1481. Otras obras de este periodo son: la Madonna Benois (c. 1478, Ermitage, San Petersburgo), el retrato de Ginebra de Benci (c. 1474, Galería Nacional, Washington) y el inacabado San Jerónimo (c. 1481, Pinacoteca Vaticana). En 1482 se puso al servicio de Ludovico Sforza, duque de Milán, tras haberle escrito una carta en la que el artista se ofrecía como pintor, escultor, arquitecto, además de ingeniero, inventor e hidráulico y donde afirmaba que podía construir puentes portátiles, que conocía las técnicas para realizar bombardeos y el cañón, que podía hacer barcos así como vehículos acorazados, catapultas y otras máquinas de guerra y que incluso podía realizar esculturas en mármol, bronce y terracota. Además, ayudó al matemático italiano Luca Pacioli en su célebre obra La divina proporción (1509). Dedicado a Leonardo da Vinci, 2006. Toscana, Italia La obra más importante del periodo en Milán son las dos versiones de la Virgen de las rocas (1483-1485, Louvre, París; década de 1490-1506-1508, National Gallery, Londres), donde aplica el esquema compositivo triangular que encierra a la Virgen, el Niño, san Juan y el ángel, y donde aplica por primera vez la técnica del sfumato. De 1495 a 1497 trabaja en su obra maestra La última cena, pintura mural para el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milán. Además realizó otras pinturas, dibujos y modelos para la cúpula de la Catedral de Milán. Su mayor encargo fue el monumento ecuestre en bronce a tamaño colosal de Francesco Sforza, padre de Ludovico, para su ubicación en el patio del castillo Sforzesco. Sin embargo, en diciembre de 1499, la familia Sforza fue expulsada de Milán por las tropas francesas. La estatua quedó inacabada y fue destruida por arqueros franceses que la usaron como diana. En 1500 regresó a Florencia. Château d'Amboise surplombe la Loire à Amboise dans le département d'Indre-et-Loire. Il fait partie des châteaux de la Loire. France (En su interior está la tumba de Leonardo da Vinci). En 1502 comenzó a servir a César Borgia, duque de Romaña, hijo del papa Alejandro VI. En su calidad de arquitecto e ingeniero mayor del duque, supervisó las obras en las fortalezas de los territorios papales del centro de Italia. En 1503 fue miembro de la comisión de artistas encargados de decidir sobre el adecuado emplazamiento del David de Miguel Ángel (1501-1504, Academia, Florencia), y además ejerció de ingeniero en la guerra contra Pisa. Al final de este año comenzó a planificar la decoración para el gran salón del Palacio de la Signoria con el tema de la batalla de Anghiari. Realizó numerosos dibujos y completó un cartón en 1505, pero nunca llegó a realizar la pintura en la pared. El cartón se destruyó en el siglo XVII. Durante su segundo periodo florentino, realizó varios retratos, de los que sólo se conserva el de La Gioconda (1503-1506, Louvre, París), también conocido como Monna Lisa, al identificarse a la modelo con la esposa de Francesco del Giocondo que llevaba ese nombre, aunque se han barajado varias hipótesis sobre su verdadera identidad. Parece ser que sentía una gran predilección por esta obra ya que la llevaba consigo en sus viajes. Homo Cuadratus o más conocido cómo "El hombre de Vitrobio En 1506 vuelve a Milán al servicio del gobernador francés Carlos II Chaumont, mariscal de Amboise. Un año después le nombraron pintor de la corte de Luis XII de Francia, que residía por entonces en la ciudad italiana. Durante los seis años siguientes pasó su tiempo entre Milán y Florencia. De esta misma época parece ser la segunda versión de la Virgen de las rocas y Santa Ana, la Virgen y el Niño (c. 1506-1513, Louvre, París). Desde 1514 a 1516 Leonardo vivió en Roma bajo el mecenazgo de Giuliano de Medici, hermano del papa León X. Se alojaba en el Palacio del Belvedere en el Vaticano, ocupándose fundamentalmente de experimentos científicos y técnicos. Leonardo da Vinci fue estrictamente vegetariano, llamó a los omnívoros "devoradores de cadáveres". También parece ser que fue homosexual y que sufrió persecución por este hecho estando a punto de enfrentarse a la Inquisición. Queda evidenciado sus relaciones con sus aprendices, especialmente con Salai. En Florencia, cuando Leonardo era aprendiz de Verrochio, se presentó una denuncia contra el pintor acusándolo de pederasta. Sus protectores consiguieron que eludiera el juicio público. En cualquier caso, Leonardo permaneció soltero y sin hijos. Ginevra de Benci. 1474. Temple sobre tabla. 42,7 x 37 cm. The National Gallery of Art. Washington. USA. En la parte científica se puede ver su interés por los estudios anatómicos del cuerpo humano, basados en las autopsias de cadáveres que realizaba, a pesar de que esta práctica estaba prohibida en el siglo XV. Se cree que pudo diseccionar unos treinta cadáveres con los que dibujó con detalle y claridad gran parte de los órganos del cuerpo. Printed edition of Leonardo's Treatise on Painting. Biblioteca Nacional de París. París. Francia. En 1516 pasó a vivir en Francia, a la corte de Francisco I, donde pasó sus últimos años en el castillo de Cloux, cerca de Amboise. Allí falleció el 2 de mayo de 1519. La Mona Lisa, más conocida como la Gioconda, esa mujer de rostro enigmático pintada por Leonardo da Vinci, inmortalizada en uno de los cuadros más famosos del mundo, existió realmente: era Lisa Gherardini, segunda mujer de Francesco del Giocondo, un rico comerciante de seda florentino, según el historiador florentino Giuseppe Pallanti, que llegó a la conclusión de que la figura pintada por Leonardo entre 1503 y 1506 fue real. Leonardo creó La última cena, su mejor obra, la más serena y alejada del mundo temporal, durante esos años caracterizados por los conflictos bélicos, las intrigas, las preocupaciones y las calamidades. La dio por terminada, aunque él, eterno insatisfecho, declaró que tendría que seguir trabajando en ella. Fue expuesta a la vista de todos y contemplada por muchos. La fama que el «gran caballo»Nota 7 había hecho surgir se asentó sobre cimientos más sólidos. Desde ese momento se le consideró sin discusión uno de los primeros maestros de Italia, si no el primero. Los artistas acudían desde muy lejos al refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie, miraban la pintura con detenimiento, la copiaban y discutían. El rey de Francia, al entrar a Milán, acarició la idea de desprender el fresco de la pared para llevárselo a su país. Durante su realización se tejieron innumerables leyendas en torno al maestro y a su obra. Los relatos de Bandello y Giraldi, dedicados por lo demás a temas radicalmente distintos, recogen también la génesis de La Última Cena. El Castillo de Clos-Lucé en Amboise (Francia) fue la última residencia de Leonardo y actualmente es un museo en honor a él. Recreación pictórica de la muerte de Leonardo en los brazos de Francisco I. Recreación tradicional de la muerte del genio. Museo de Louvre, Francia. Tumba de Leonardo da Vinci en la capilla de Saint-Hubert, en Amboise, Francia. Retrato de Leonardo Da Vinci (1508), atribuido a Francesco Melzi. SU OBRA 'La Gioconda' El cuadro La Gioconda, también conocido como La Mona Lisa, es una obra pictórica de Leonardo Da Vinci. Adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI, desde entonces es propiedad del Estado Francés, y actualmente se exhibe en el Museo del Louvre de París. Su nombre oficial es Gioconda (alegre, traducido del italiano al castellano), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo, al que debe su apodo y que realmente se llamaba Lisa Gherardini. Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506,[1] y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima.[2] Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro. Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada.[3] Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro. La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.[4] El rey Francisco I de Francia, quien poseyó el cuadro de 'La Gioconda' por algún tiempo. Obra de Jean Clouet (1475–1540). Pintado c. 1530, oil on oak panel, 96 × 74 cm. Museo del Louvre. Historia. La Gioconda es el retrato más famoso de la historia y quizás el cuadro más famoso de la pintura occidental.[9] [10] Su fama se debe probablemente a las múltiples referencias literarias, a las diversas interpretaciones sobre la protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911. Es además la última gran obra de Leonardo, si se tiene en cuenta que siguió retocándola hasta sus últimos años.[11] Después de terminar el cuadro, Leonardo llevó su obra a Roma y luego a Francia, donde la conservó hasta su fallecimiento.[12] Se sabe que pasó a manos del rey francés Francisco I, quien la habría comprado a un valor de 12.000 francos (4.000 escudos de oro),[13] aunque no está claro si fue en 1517, antes de la muerte del artista, o con posterioridad a su fallecimiento en 1519.[14] Tras la muerte del rey, la obra pasó a Fontainebleau, luego a París y más tarde al Palacio de Versalles. Sin embargo, está comprobado que permaneció en las colecciones reales francesas y que en el siglo XIX, Napoleón Bonaparte lo tuvo guardado en el Palacio de las Tullerías tras una temporada en su residencia.[15] Con la Revolución francesa llegó al Museo del Louvre, donde se encuentra actualmente; Napoleón lo retiró de allí para colocarlo en su cámara personal. Finalmente regresó al museo,[4] donde se alojó hasta 2005 en la Sala Rosa, y fue trasladada en ese año al Salón de los Estados.[16] Es pertinente decir que la mayoría de datos acerca del cuadro se poseen gracias al trabajo biográfico del pintor contemporáneo Giorgio Vasari.[17] [18] 'La Gioconda' se exhibe tras el cristal antibalas en el Louvre. Técnica. Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial. La técnica empleada, conocida con el término italiano sfumato,[19] [20] consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del "Quattrocento" y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera, lo cual da una sensación de tres dimensiones a la figura.[21] El cuadro se pintó sobre una tabla de madera de álamo recubierta por varias capas de enlucido.[22] Se conserva en una urna de cristal de 40 mm de espesor a prueba de balas,[16] [1] tratada de manera especial para evitar los reflejos.[16] La cámara que alberga el cuadro está diseñada para mantener una temperatura constante de 20 °C y 50% de humedad relativa, lo cual busca garantizar las condiciones óptimas para la estabilidad de la pintura.[16] [23] La pintura tiene una grieta vertical de 12 centímetros en la mitad superior, probablemente debido a la eliminación del marco original, aunque un estudio con infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como la misma tabla;[24] dicha grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX mediante dos remaches en forma de mariposa fijados por el reverso.[25] De ellos, uno se soltó posteriormente. En la actualidad, se ha determinado que la fisura es estable y no ha empeorado con el tiempo.[25] Sin embargo, para descartar cualquier peligro, en 2004 se conformó un equipo de curadores franceses, quienes vigilan permanentemente el estado de la pintura, previniendo cualquier alteración provocada por el tiempo.[26] Descripción de la obra. En este retrato, la dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico del esfumado, y también puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen.[27] [28] Aparece sentada en una galería,[29] viéndose a los lados, cortadas, las bases de unas columnas. La galería se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes, cuando hizo su viaje a Milán.[30] El paisaje posee una atmósfera húmeda y acuosa que parece rodear a la modelo. Se ha intentado localizar el aparente recodo del Arno o una porción del Lago de Como,[30] sin haber llegado a conclusiones definitivas. Muchas veces se ha tratado de compaginar uno y otro lado del paisaje tras la modelo, pero la discordancia entre ambos lados no permite que se diseñe un modelo continuado de la imagen.[31] Debe tenerse en cuenta que el lado izquierdo parece estar más alto que el derecho, entrando en contraste con la física, puesto que el agua no puede encontrarse estática a desnivel en el terreno.[32] Al respecto, el historiador de arte, E.H. Gombrich, expresa que:[31] En consecuencia, cuando centramos nuestras miradas sobre el lado izquierdo del cuadro, la mujer parece más alta o más erguida que si tomamos como centro la derecha. Y su rostro, asimismo, parece modificarse con este cambio de posición, porque también en este caso las dos partes no se corresponden con exactitud... La copia de La Gioconda que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid puede ayudar a imaginar el aspecto original de la obra. Fue pintada por un alumno destacado de Leonardo da Vinci, h. 1503-16. Posiblemente su autor fue Francesco Melzi. Más info de La Gioconda: http://es.wikipedia.org/wiki/La_Gioconda Otras obras Dama con Armiño. También conocida como: "Retrato de Cecilia Gallerani". 1483-1484. Óleo sobre tabla. 54 x 39 cm. Galería Czartoryski. Cracovia. Polonia. Obra de Leonardo da Vinci. La identidad de esta joven, durante muchos años desconocida, se ha fijado por fin en una de las amantes de Ludovico Sforza, Duque de Milán. Se trata de Cecilia Gallerani, que siguió a Ginevra de Benci cuando ésta se casó. La joven aparece retratada con un armiño en los brazos. Este animal se usaba para cazar ratones, pero además, probablemente se trata de una alusión al nombre de la muchacha, puesto que armiño en griego se pronuncia "galé". Estos juegos eran muy comunes, como el del citado retrato de Ginevra u otros de la época. El retrato fue tan retocado en épocas posteriores que llegó a dudarse de la intervención de Leonardo en el mismo. El fondo no debía de ser negro en origen, sino que posiblemente tuviera elementos paisajísticos. Destaca, por otro lado, la desproporción existente entre la mano y el rostro de la muchacha, una mano estilizada y elegante que acentúa el porte regio de la modelo. El cuadro pasó a poder del rey de Francia, admirador de Leonardo y conquistador de Milán. Durante la Revolución Francesa su destino fue el príncipe Czartoryska, en cuya colección se mantiene hasta nuestros días. La Belle Ferronière. También conocida como: "Portrait of a Lady at the Court of Milan". 1495. Óleo sobre tabla. 63 x 45 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Obra de Leonardo da Vinci. Tanto el autor como la identidad de la modelo están muy discutidos hoy día. Generalmente se considera obra de Leonardo, aunque algunos críticos prefieren considerar que se trata de una pintura de su discípulo Boltraffio. Sin embargo, la pose de la muchacha, su expresión a un tiempo misteriosa y melancólica, el suavísimo modelado de las facciones a través de la luz, hacen pensar en la experta mano de Leonardo más que en Boltraffio, que no era un gran artista, pese a imitar el estilo de su maestro.La identidad de la muchacha es también un problema. El título por el que se la conoce es La Belle Ferronière. Desde la muerte de Leonardo se ha conservado en las colecciones reales de Francia (recordemos que Luis XII fue el último protector de Leonardo, quien murió en Francia). Por ello, algunos creen que se trata de la amante de Enrique II, rey francés, conocida por dicho sobrenombre. Sin embargo, la posible fecha de realización hace pensar que se trata del retrato de otra de las numerosas amantes del duque de Milán, Ludovico. Sería así el retrato de Lucrezia Crivelli, muy similar a los retratos de otras amantes de Ludovico como Cecilia Gallerani o Ginevra de Benci, todas ellas mujeres muy jóvenes de una belleza misteriosa que Leonardo captó de manera inigualable. Retrato de Ginevra de Benci. Obra de Leonardo da Vinci. 1476 h. Óleo sobre tabla, 38,8 x 36,7 cm. National Gallery (Washington). Ginevra de Benci era hija de un amigo de Leonardo da Vinci, Amerigo di Giovanni Benci. Pese a ciertas dudas en la atribución del cuadro a Leonardo, la belleza y poder del retrato son valores indudables. La pose de la muchacha marca un tipo que Leonardo utilizará en la mayoría de sus retratos femeninos. Ella está levemente estilizada, de tres cuartos y vista de medio plano, del que se supone que faltan las manos sobre el pecho (ver el Estudio de manos femeninas). La modelo posee una expresividad poco frecuente, con un rostro serio y penetrante, que impone su presencia psicológica en el mundo del espectador. Es una anticipación de la Gioconda. Se tardó algún tiempo en identificar a la joven. La pista principal se encuentra en la botánica, disciplina que interesaba grandemente a Leonardo. Decimos esto por dos razones. La primera son los árboles que prestan el decorado de fondo a la silueta femenina. Se trata de enebros, cuyo nombre en italiano, ginepro, son fonéticamente muy similares a Ginevra. Además, existe un emblema al dorso de la tabla del retrato, que consiste en una rama de laurel cruzada con una rama de palmera. Ambas encierran un lema en latín: Virtutem Forma Decorat, que quiere decir, La Belleza es el ornamento de la Virtud. Este emblema parece ser que podría corresponder a la heráldica de Bernardo Bembo. La vida de Ginevra nos cuenta que en 1474 se casó con Luigi Bernardini di Lapo Nicolini, cuando ella contaba con 17 años. Su matrimonio fue desgraciado por los problemas financieros de su marido, y por problemas de salud de ella, que aparecieron a partir de 1480. Tras este deterioro, tuvo una relación de carácter platónico con el embajador de Venecia en Florencia, el citado Bernardo Bembo, padre del cardenal Pietro Bembo. Retrato de Isabella d'Este. Obra de Leonardo da Vinci. 1500 h. Material:Yeso y pastel sobre papel, 63 x 46 cm.. Museo Nacional del Louvre. Isabel d'Este fue una de las personalidades más fascinantes de su época. Era la duquesa de Mantua y se hallaba ligada por lazos familiares con los Sforza de Milán, además de con otras poderosas familias italianas. Su cultura e inteligencia eran proverbiales y su colección de arte es uno de los legados más importantes en la historia del arte.Isabel conoció a Leonardo en Milán y le pidió que le hiciera un retrato. El artista realizó un apunte, o según algunos autores, otros dos más. Cuando Milán fue tomado por los franceses, Leonardo huyó temporalmente a Mantua, momento en el que Isabel le ofreció su protección y mecenazgo. Por razones desconocidas, Leonardo no aceptó y parece que tampoco concluyó el retrato, a pesar de que Isabel utilizó a todos sus agentes y contactos diplomáticos para presionar a Leonardo allí donde estuviera. No obstante, existe la hipótesis de que además de los bocetos, Leonardo realizara una priemra pintura, ya que este dibujo presenta agujeros que indican que fue pasado a tabla. En cualquier caso, todo lo que nos queda es este perfil, impresionante pese a su mal estado conservación. El perfil es poco frecuente en Leonardo. El dibujo está realizado a carboncillo -negro-, sanguina -roja- con ligeros toques de amarillo en el vestido y adornado con estarcido (perforaciones en el papel que forman guirnaldas y adornos, como la cinta del pelo o el encaje del escote). Baco (San Juan). Obra de Leonardo da Vinci. 1513 h. Temple y óleo sobre tabla pasando por lienzo. 177 x 115 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Viendo el San Juan del Louvre ya comentamos lo difícil que se hizo de aceptar este cuadro, tan blando y ambiguo. El mismo caso le ocurrió a este San Juan - Baco. El personaje apareció en las colecciones de Francisco I de Francia, último protector de Leonardo, como un San Juan en el desierto. Pero la obra provocaba el rechazo de todos, porque era indecoroso: el joven imberbe posee una belleza deliberadamente femenina, un exceso de desnudez y por si esto fuera poco, el desierto consiste en un paisaje lleno de vegetación y un lago. Todas estas razones llevaron a que en el siglo XVII el santo fuera transformado: se le pintó una corona de pámpanos (símbolo del dios del vino Baco), se le añadió la piel de pantera como vestido y la cruz fue transformada en un tirso... Leda y el cisne es el título de una obra del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci realizada en el periodo 1510-1515. Actualmente sólo se conserva una copia en la Galería Borghese de Roma, que está pintada al temple sobre tabla y mide 112 cm. de alto y 86 cm. de ancho. El original, heredado en su día por Salai y el que se tasó más alto, desapareció. En 1625 está documentada la Leda de Leonardo en Fontainebleau, pero con una descripción ligeramente distinta, ya que menciona "dos huevos a los pies de la figura, de cuyas cáscaras se ve que han salido cuatro niños" (Cassiano del Pozzo). Representa a Leda, reina de Esparta y Zeus, metamorfoseado en cisne, a los pies de Leda se encuentran los cascarones que ella ha puesto y de los que salen Helena, Clitemnestra y los dioscuros gemelos Cástor y Pólux. El estilo de Leonardo está muy bien reflejado. Parece ser el único desnudo de sus obras; muestra el interés de Leonardo por la antigüedad grecolatina, acentuado tras su estancia en Roma entre 1513 y 1516. Mas en su época, esta pintura fue tratada por sus contemporáneos como un tema muy erótico debido no solo a la desnudez y lozana gracilidad de la joven representada sino a su pose en sugerente contraposto (postura frontal sinuosa) constituido en el esquema (no visible) del esbozo a partir de una espiral que se eleva desde los pies contorneándole el cuerpo hasta la cima de la cabeza de delicados y dulces rasgos, reforzado queda el erotismo por la sonrisa entre candorosa e insinuante de Leda mientras sostiene al largo cuello del cisne (cuello que se puede interpretar como fálico por sus formas). Aquí se puede observar toda su técnica sobre la perspectiva aérea. En primer plano las líneas de los contornos son más vivos y a medida que la imagen se va alejando, pierde nitidez, debido a las imperceptibles partículas de la atmósfera. La Leda de Leonardo fue tan famosa que se hicieron numerosas copias. De todas ellas la Leda con el cisne (Leda col cigno) es una de las que más tiempo se atribuyó directamente a la mano de Leonardo. Hoy se asume que es una copia y no precisamente del original, sino una recreación a partir del cartón realizada por un discípulo leonardesco Cesare da Cesto. Esta copia está documentada en la Galería Borghese en Roma desde 1693. La Virgen de las Rocas. También conocido como: "La Virgen con el Niño, San Juanito y un ángel". Obra de Leonardo da Vinci. 1483-1486. Óleo sobre tabla. 199 x 122 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Leonardo recibió el encargo de un tríptico con una Madonna, hecho junto a los artistas milaneses Ambrogio y Evangelista de Predis. Ambrogio se encargó de los dos paneles laterales, con dos ángeles músicos, Evangelista era el encargado de retocar, rellenar y realizar los marcos, y "el florentino", Leonardo, tenía que hacer el panel central, con la Virgen, el ángel y los niños. El cliente era la Hermandad de la Inmaculada Concepción de Milán, que ajustó el pago y la entrega de la obra para el año 1485. Sin embargo, no aceptó esta primera obra y Leonardo realizó la segunda Virgen, de la National Gallery. Por esta causa, se conservan peticiones de pago posteriores, prolongándose casi diez años el cumplimiento del contrato. La Virgen de las Rocas. Obra de Leonardo da Vinci. 1506 h. Óleo sobre tabla, 189,5 x 120 cm. National Gallery de Londres. Leonardo recibió un encargo, el veinticinco de abril de 1483 para realizar una Madonna. El cliente era la Hermandad de la Inmaculada Concepción, con la que Leonardo entró en contacto a través de los hermanos Evangelista y Ambrogio de Predis. Los monjes recibieron una primera versión de la Virgen de las Rocas, que hoy se encuentra en el Louvre, rechazada por ciertas inconveniencias formales. Esa primera versión fue comprada por el rey de Francia. La segunda versión es la que ahora vemos, con ligeros cambios: el ángel no mira al espectador ni está señalando. Simplemente acompaña al Niño, que ha cambiado de lugar y bendice a San Juanito, también en otro lugar. La segunda versión tardó en ser entregada varios años más de lo estipulado en el contrato, y se conservan peticiones de pago más alto de lo establecido. Finalmente, en 1506-1508 se debió concluir la obra. Mas info de las dos 'Vírgenes de las Rocas' de Leonardo: http://es.wikipedia.org/wiki/La_Virgen_de_las_Rocas Sagrada Familia. También conocido como: 'La Virgen y el niño con Santa Ana' o 'Santa Ana, la Virgen, niño y el cordero'. Obra de Leonardo da Vinci. 1508-1510. Óleo sobre tabla. 168 x 130 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Ésta es una de las más prodigiosas composiciones de Leonardo. Es la última versión del tema. La primera es el llamado Cartón de Burlington House; la segunda era también un cartón, que se encuentra perdido pero que los biógrafos de Leonardo en su época describieron minuciosamente. Y la versión final, que contemplamos ahora. La escena parece una traslación casi literal del ideal neoplatónico del amor divino, intemporal y perfecto. Si atendemos a la composición, la impresión de un sólo sujeto de la escena está clara: los tres personajes forman un continuo tanto en la presencia física como en sus acciones. La mirada de los tres conduce al espectador por una suave curva hacia la derecha, que termina en el cordero, símbolo de la pasión y el motivo de la acción. Santa Ana, madre de la Virgen, sostiene en sus rodillas a María. Ambas poseen la misma edad, la misma dulzura, los mismos rasgos físicos. Santa Ana contempla a su hija sin intención de intervenir, que sí tenía en el Cartón Burlington. María se esfuerza con cariño en apartar a Jesús del cordero, de la muerte segura a la que se tendrá que enfrentar. El Niño, mientras, se aferra obstinadamente al animalito, que vuelve su cabeza para mirarle. El cuadro está inacabado, lo que ya parece una marca propia del autor, que terminó muy pocas obras. Sin embargo, el paisaje de fondo está tratado minuciosamente. Al igual que las figuras protagonistas, el paisaje carece de rasgos particulares, no está sometido al tiempo, ni a las estaciones, ni mucho menos a la acción del hombre. Es un paisaje universal, el paisaje sin pecado que queda tras la venida de Dios al mundo. Más info en la Wikipedia: http://es.wikipedia.org/wiki/La_Vir...As_y_Santa_Ana_(Leonardo) La última cena. 1495-1497. Fresco. 460 x 880 cm. Refectorio del Convento de Santa María delle Grazie. Milán. Italia. Obra de Leonardo da Vinci. Entre 1495 y 1497 se terminó esta Ultima Cena de Leonardo, que tanta trascendencia ha tenido para la historia del arte posterior. Se encuentra muy deteriorada desde el mismo momento de su realización, y ha ido empeorando con el tiempo, las restauraciones y los repintes. En la época de Leonardo era frecuente medir la habilidad de un pintor por su capacidad para pintar al fresco. Esta técnica es muy exigente y precisa de una gran labor previa para poder ejecutar el trabajo metro a metro, sin repintes, sin bocetos, sin correcciones. Leonardo jamás controló esta técnica. A cambio, inventó un método personal que le permitía corregir lo ya pintado. Sin embargo, los aglutinantes empleados o la calidad de los pigmentos no fue la óptima, y el color se degradó a los pocos meses de ser ya terminada. A ello se suman los problemas de humedad del refectorio, así como diversos avatares históricos: dos restauraciones en el siglo XVIII, el uso del refectorio como arsenal en la guerra de 1800, nuevas restauraciones... El encargo de la Ultima Cena lo efectuó Ludovico el Moro, duque de Milán. Lo quería para el monasterio de Santa María delle Grazie, que había convertido en la capilla familiar de los Sforza. El duque solía ir a cenar los jueves con el abad, y pidió a Leonardo que adornara la sala con este fresco. La composición de Leonardo ha resultado crucial. Su éxito se basa en la fuerza psicológica de la escena. Contra lo habitual hasta el momento, el pintor no centra la escena en el momento de la consagración del pan, la institución de la Eucaristía, sino en el momento en el que Cristo denuncia la traición de uno de los discípulos. Ante su palabra, cada discípulo reacciona de una manera diferente, lo que permite realizar a Leonardo un completo estudio de los temperamentos humanos: la cólera, la sorpresa, la incredulidad, la duda... la culpabilidad. Judas no está, como tradicionalmente, a un extremo de la mesa, sino en medio, sin hablar con nadie. No sólo eso. La manera tradicional de organizar un grupo tan abundante en un friso horizontal, se solía colocar dos grupos de seis a ambos lados de Cristo. Pero Leonardo los distribuye en grupos de tres. Destaca a Cristo no con los atributos conocidos, como el halo de santidad, sino con una ventana tras él, abierta al paisaje, cuya luz natural destaca su figura. La composición tuvo un enorme éxito y su repercusión alcanzó la obra de artistas tan consagrados como Alberto Durero, que llegó a variar incluso la composición de un grabado suyo para distinguirlo de la obra del italiano. Anunciación. 1478-1482. Óleo sobre tabla. 14 x 59 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Obra de Leonardo da Vinci. Esta obra es atribuida a Leonardo por muy pocos autores. Tradicionalmente se cree de Ghirlandaio o de Lorenzo de Predis. En cualquier caso parece evidente que era una obra del taller de Verrocchio que sus colaboradores habituales llevaron a cabo. La intervención de Leonardo, un Leonardo muy joven, es discutida. Se quiere creer que la composición general es suya, así como parte del ángel y el manto de la Virgen. Sin embargo, respecto a la composición, si es de Leonardo habría que decir que se somete a ciertos convencionalismos que se creían abandonados ya por el joven artista. Anunciación. 1472-1475. Óleo sobre tabla. 98 x 217 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Leonardo da Vinci. Desde que se conoce esta tabla con la Anunciación, se creyó que era de Doménico Ghirlandaio, un excelente pintor contemporáneo de Leonardo da Vinci. Pero en 1867 se descubrieron datos, dibujos, bocetos que permitían atribuir el cuadro a Leonardo. Fue un encargo para el convento de San Bartolomé en Monte Olivetto, de donde pasó a los Uffizi tras conocerse su verdadero autor. Lo más posible es que ambos pintores trabajaran juntos en la pintura, o que se trate de una obra del taller de Verrocchio, reservándose el paisaje de fondo para Leonardo. Esta última hipótesis se basa en que el pupitre donde la Virgen está leyendo así como las arquitecturas detrás de ella son diseños típicos de Verrocchio. La composición del cuadro está dividida en dos mitades desiguales. Una es la mitad que ocupa el ángel, respaldado por el jardín y el bosquecillo de fondo. La otra es la mitad de la Virgen, respaldada por edificios y elementos arquitectónicos. La manera de dar unidad a estas dos mitades es doble. Por un lado, la acción: el ángel se inclina hacia la Virgen en el saludo, gesto ante el que María reacciona. Además, tras los dos personajes, un murete corrido, que tan sólo se interrumpe para enmarcar la mano del ángel que saluda y la vara de azucenas, unifica la escena, que de esta manera posee un continuo espacio-temporal. El Bautismo de Cristo. Obra realizada por Leonardo junto con Andrea del Verrocchio, su maestro. 1475-1478. Óleo sobre tabla. 177 x 151 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. El cuadro con el Bautismo de Cristo pertenece a Verrocchio. El concepto de autor no era el mismo en la Florencia del siglo XV que hoy día. Allí, el maestro de taller era un empresario que aseguraba a sus clientes la calidad y la satisfacción de las fechas, exigencias y necesidades de la obra. Obviamente, la mayor intervención del maestro en un cuadro concreto aumentaba su valor. Pero lo normal es que la obra fuera una tarea colectiva, en la que todos los oficiales participaban cada uno en su especialidad. Por ello, consideramos ésta la primera obra al óleo de Leonardo, puesto que es la primera vez en que se ha registrado sin lugar a dudas su intervención. En efecto, Leonardo trazó sobre la composición original de su maestro, Verrocchio, el paisaje de fondo, inconfundible y totalmente alejado de la dura rotundidad de los elementos del paisaje en primer plano. También añadió, ya terminado el cuadro, el angelito de perfil, de una belleza turbadora a quien el otro ángel parece mirar con rostro estúpidamente admirativo. También de Leonardo es el suave difuminado del torso de Cristo, que destaca contra el modelado duro, casi pétreo, del pecho del Bautista. La Adoración de los Magos. Obra de Leonardo da Vinci. 1481-1482. Temple y Óleo sobre tabla. 243 x 246 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. En 1481 Leonardo recibió un encargo de los monjes del monasterio de San Donato en Scopeto, cerca de Florencia. Los monjes tomaron todo tipo de precauciones para que el pintor terminara su obra, pues ya empezaba a ser proverbial el abandono de Leonardo respecto a todas sus pinturas. Sin embargo, como podemos apreciar, el artista nuevamente dejó inacabado el proyecto, esta vez a causa de su partida y establecimiento en la corte de Milán. El resultado que dejó es un esbozo monocromático, en espera de ser rellenado por los colores, con grandes contrastes entre zonas vacías y negros. La composición es tremendamente compleja e inusual para el tema, que suele ser tratado de una manera muy solemne y estática. Por el contrario, Leonardo ha planteado una escena multitudinaria, agitada, violenta, llena de personajes (más de cincuenta nada menos) y en diferentes grupos. El grupo protagonista los constituye la pirámide central formada por María, Jesús, y los ancianos que le ofrecen sus regalos al Niño. A los lados de este grupo, en los extremos derecho e izquierdo del cuadro, dos personajes, uno viejo y otro joven, se consideran tradicionalmente la Filosofía (como actitud contemplativa) y la Acción. Tras ellos, una multitud de personajes forman un arco de diferentes acciones. Son el séquito de los Reyes Magos, los pastores, los ángeles, todos ellos sacudidos por la reacción emocional del advenimiento del Mesías. Las escenas de lucha al fondo han sido muy discutidas. Se pueden considerar desde posibles puntos de vista: la lucha del mundo del pecado, la caída de la civilización hebrea y la descomposición de su cultura (simbolizada en los edificios en ruinas) o tal vez sea un episodio concreto de la historia de la Orden monacal que encargó la obra. Study for a kneeling Leda. 1503-1507. Tiza negra, lápiz y tinta sobre papel. 12,6 x 10,9 cm. Boijmans Van Beuningen Museum. Rotterdam. Holanda. Obra de Leonardo da Vinci Batalla de Anghiari. 1503-1505. Óleo sobre tabla. 85 x 115 cm. Colección Privada. Munich. Alemania. Obra de Leonardo da Vinci. Antes de 1550 un pintor anónimo realizó esta copia del fresco original con la Batalla de Anghiari de Leonardo, que pintó en 1505. El fresco original está perdido. El veinticuatro de octubre de 1503 Leonardo, de regreso en Florencia, ingresa como huésped en el monasterio de Santa María Novella, para poderse dedicar en exclusiva al diseño del fresco con la Batalla. El encargo respondía al deseo del gobierno florentino para redecorar la Sala de la Signoría, en el Palazzo Vecchio. Los trabajos comenzaron dos años después, y Leonardo los recuerda de la manera siguiente: "El seis de junio de 1505, viernes, hacia la una comencé la pintura en el palacio. En el momento de dejar el pincel, el tiempo cambió a lo peor, y la campana empezó a tocar, llamando a los hombres al juicio. Y el cartón se perdió. El agua se derramó como un vaso roto. Y súbitamente el tiempo empeoró aún más y una gran lluvia cayó hasta el anochecer. Y estaba tan oscuro como la noche". Esta tétrica ambientación parece rodear de un halo mágico al momento de la creación leonardesca. En efecto, el encargo era de trascendental importancia, y todos los esfuerzos de los miembros del consejo se habían orientado a asegurar que Leonardo concluiría el trabajo. Sin embargo, como podemos ver, no fue así. Leonardo aplicó para la Batalla su peculiar técnica de trabajo al fresco, que tan pésimos resultados dio para la Ultima Cena. El deterioro inmediato de los pigmentos y el abandono del trabajo para ir a trabajar a la corte francesa tal vez motivaron a Leonardo a escribir esas líneas tan lúgubres, como si un mal designio hubiera marcado el fracaso de la obra. La pintura fue cubierta con un parapeto para protegerla, tras el abandono de Leonardo. Se esperaba que él u otro artista se decidieran un día a terminarla. Pero nadie se atrevió a concluir el diseño de Leonardo y en 1557 se remodeló el Salón. El resultado es que Vasari, biógrafo de Leonardo, tapó el fresco inacabado y lo sustituyó por otro propio con la misma Batalla. El tema fue elegido para destacar la independencia de Florencia, en lucha con sus vecinas Venecia y Mantua. CONTINÚA MÁS ABAJO... ___________________________ . . "La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes" "Nicolas Poussin" . . Última edición por j.luis el 29 Apr 2012 12:11; editado 16 veces
#1   19 Jan 2007 12:01
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j.luis  Moderador Registrado: Diciembre 2005 Mensajes: 13751 Edad: 54 Ubicación: Madrid 872901 Medallas: 4 (Ver Mas) Usuario #: 50	Respuesta: Leonardo Da Vinci    ... CONTINUACIÓN 'La Madonna del huso'. Obra de Leonardo da Vinci. 1501 h. Material: Yeso y pastel sobre papel, 46,4 x 36,2 cm. Pintada hacia 1501, esta madonna es un probable producto de taller, sin apenas intervención de Leonardo, aunque con los rasgos del maestro adaptados por una mano menos hábil .El sobrenombre de esta madona es la Virgen de la rueca, porque el niño lleva un huso de rueca en la mano, con una significación bastante confusa.La pose de María es similar a la de las dos versiones de la Virgen de las Rocas, incluso en el gesto protector de su mano. La pose del niño sin embargo no se parece en nada a ninguna versión anterior ni posterior de Leonardo. Las figuras poseen el sfumatto que hizo famoso Leonardo, pero el paisaje de atrás carece de la sutil aura de misterio que los que pintaba el maestro florentino.Esta madona se ha considerado como aquella que le encargó a Leonardo Florimund Robertet, el secretario de estado de Luis XII de Francia, el conquistador de Milán. Esta obra de 'La Madonna del huso', de Leonardo da Vinci, fue recuperada en octubre de 2007 gracias a detectives del arte. Virgen de la Granada. También conocida como: " Madonna and Child with a Pomegranate". 1470-1475. Óleo sobre tabla. 15,7 x 12,8 cm. The National Gallery of Art. Washington. USA. Obra de Leonardo da Vinci. Verrocchio fue uno de los más famosos artistas florentinos. Por desgracia, no se conserva ninguna obra de la que pueda decirse que es completamente de su mano, sino que todas son producción de su taller. Sin embargo, la poderosa personalidad del maestro invade todos estos cuadros, que reúnen las características más propias del Verrocchio. Esta madonna se conoce como la Madonna de la granada porque María le ofrece al Niño uno de esos frutos. La granada era un símbolo de Cristo y del poder (ver el Retrato de Maximiliano I de Alberto Durero). En este caso, tan sólo es un símbolo de la Muerte y Pasión de Cristo, puesto que su corazón es rojo como la sangre y posee miles de semillas, que al morir el fruto darán infinitos árboles nuevos. Tanto la Virgen como el Niño poseen un hieratismo frío y elegante que caracteriza la obra del taller de Verrocchio, tal y como se puede ver en la Virgen con el Niño del mismo autor. También es típico del Verrocchio la pose de María, muy erguida, con la cabeza levemente inclinada y los ojos bajos en un gesto de modestia y humildad. Estos rasgos fueron muy imitados por los alumnos del Verrocchio, entre los que se encontró por muchos años Leonardo da Vinci. Madonna Benois. 1478-1480. Óleo sobre tabla transferido a lienzo. 49,5 x 31,5 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia. Obra de Leonardo da Vinci. La autoría de Leonardo sobre esta Madonna es discutida, como en la mayor parte de su obra. Sin embargo, algunos dibujos preliminares de las mismas fechas, parece que confirman el estudio del pintor para el óleo definitivo: nos referimos a dos Madonnas con el Niño y un gato. El óleo que contemplamos, pintado sobre tabla y después pasado a tela, contiene un tipo iconográfico que Leonardo desarrollará en sus más conocidos cuadros de la Virgen: María aparece sentada de tres cuartos, con una pierna extendido para que le sirva de apoyo al niño. En este caso, la Virgen está pintada con una rotundidad extremadamente realista, muy volumétrica, llena de peso y presencia física. El rostro de María parece el de apenas una niña, gordezuela y simpática, que juega con su retoño mostrándole unas florecillas. En contraste absoluto con la ingenuidad alegre de la madre, el rostro serio y concentrado del bebé resulta artificial, extraño y nos dice que hay algo más en lo que parece una inocente escena familiar. Virgen del Clavel. También conocida como "Madonna con el Niño y un vaso de flores". Autor: Leonardo da Vinci. 1478-80. Óleo sobre tabla, 62 x 47 cm. Alte Pinakothek (Munich). La Virgen está casi totalmente repintada en el rostro. Se han restaurado partes esenciales del óleo y se han añadido tantos aceites que el paso del tiempo ha provocado en la superficie un craquelado (fractura de la capa exterior) que recuerda al acabado de las pinturas flamencas. Por esta razón se pensó que se trataba de una copia flamenca de una obra de Leonardo. Sin embargo, parece evidente que todas las intervenciones son suficientemente posteriores para pensar en Leonardo como el autor, lo que concuerda con datos del catálogo del pintor, que cita una Madona con garrafa, que sería el jarrón de las flores. Además, la Virgen tiene un evidente parecido con una obra de la misma época, la Anunciación de los Uffizi. Madonna Litta. 1490-1491. Témpera sobre lienzo transferida a tabla. 42 x 33 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia. Obra de Leonardo da Vinci. El soporte original de este cuadro era la madera, pero más tarde se trasladó a lienzo. Su autoría ha sido fuertemente discutida y aún hoy existen varias voces en contra de la teoría de que sea obra de Leonardo. Las causas para dudarlo son básicamente la dureza del modelado, la rotundidad de los colores que no llegan a diluirse en el aire, y la ausencia de perspectiva atmosférica. Sin embargo, también es cierto que el Museo del Louvre conserva un dibujo casi exacto de la cabeza de María, firmado por Leonardo, que se piensa pudo ser un estudio preparatorio. Así mismo, existen varios dibujos con estudios similares al Niño, también de Leonardo. Estos datos se unen a que el inventario del pintor cita la existencia de una Virgen amamantando al Niño. Una posibilidad intermedia es que efectivamente, Leonardo comenzara la pintura en 1480, pero como en tantas ocasiones, no la terminara y se ocupara de ellos uno de sus discípulos, el milanés Boltraffio, hacia 1495. San Jerónimo. Obra de Leonardo da Vinci. 1480-1482. Óleo sobre tabla. 103 x 75 cm. Pinacoteca Vaticana. Roma. Italia. En el siglo XIX se hicieron muchos descubrimientos de pinturas que se atribuyeron a Leonardo, aunque durante siglos permanecieron olvidadas. El caso de esta pintura es aún más notable, puesto que como puede apreciarse en la superficie del cuadro, fue cortada en dos, aprovechando, según se dice, la parte más terminada como un tablero de mesa. En los inventarios de Leonardo da Vinci se menciona que realizó varios San Jerónimos, aunque sólo nos ha llegado éste, probablemente de su mano por ciertos rasgos. Estos rasgos son el inconfundible paisaje del fondo, con las características montañas azuladas de grandes rocas. La pintura está inacabada. Leonardo se limitó a diseñar el plan general, esbozando apenas detalles como la iglesita que se ve entre las rocas a la derecha, o el contorno del león. La parte más terminada es el rostro y el comienzo del torso del santo, cuya vejez descarnada recuerda a los dibujos anatómicos que Leonardo tomó del llamado "Centenario". San Juan Bautista. 1510-1515. Óleo sobre tabla. 69 x 57 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Su discípulo y asistente Salai sirvió de modelo para pintar esta obra de San Juan Bautista. Obra de Leonardo da Vinci. El planteamiento leonardesco del andrógino como síntesis de la perfección humana se puede rastrear en el ambiguo rostro de este San Juan. Durante años, la deliberada blandura del profeta provocó cierto rechazo entre la crítica. Parece ser que cuando Leonardo pintó el cuadro, ya sufría la parálisis del brazo derecho, lo que pudo mermar su habilidad, pero no la intención con la que pintó el óleo. El artista enfoca la figura y nada más. La suciedad acumulada en la superficie ha acentuado el efecto tenebrista, que cuando fue pintado debía ser un experimento de claroscuro. La enigmática sonrisa del profeta apunta, igual que su dedo, a la cruz que sostiene en alto. La intensidad personal de la figura, aislada mediante el foco de luz contra las sombras, lo dota de un atractivo singular que imitarán poco después los artistas del Barroco, como Caravaggio o Zurbarán. Casi por única vez en la obra de Leonardo, un fondo uniformemente oscuro ha sustituido a los proverbiales paisajes del maestro. Virgen con el Niño, Santa Ana y San Juan Bautista. También conocido como "Cartón de Burlington House". 1505. Tiza. 139 x 101 cm. The National Gallery. Londres. Obra de Leonardo da Vinci. Retrato de un músico. Retrato de un músico. ¿Franchino Gaffurio?. 1485. Óleo sobre tabla. 43 x 31 cm. Pinacoteca Ambrosiana de Milán. Milán. Italia. Obra de Leonardo da Vinci Cabeza del Cristo, Galería de la Academia de Venecia. Venecia. Italia. Obra de Leonardo da Vinci Cabeza de mujer. 1480. Óleo sobre tabla. 27 x 21 cm. Galería Nacional de Parma. Parma. Italia. Obra de Leonardo da Vinci. Las dudas sobre si Leonardo hizo o no este dibujo son irrelevantes para la contemplación de su belleza. Pudiera ser un estudio preparatorio para el rostro de María, en la primera versión de la Virgen de las Rocas, la más hermosa y leonardesca de las dos. Valle del Arno. Obra de Leonardo da Vinci. 1473. Dibujo. 19 x 28,5 cm. Gabinete de diseño y de estampación. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. El primer dibujo fechado de Leonardo es éste que podemos contemplar en esta ocasión. Datado con toda exactitud el 5 de agosto de 1473, constituye la primera obra segura de su autor, de quien es difícil establecer su autoría en múltiples obras. El interés de Leonardo por el paisaje le llevó a una nueva manera de representarlo, teniendo en cuenta por primera vez los efectos de la atmósfera y la perspectiva en la lejanía: se le considera el inventor de la perspectiva aérea, por la que los objetos lejanos aparecen menos nítidos y azulados. Las caricaturas. Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios «caricaturescos» que, aunque exagerados, parecen estar basados en la observación de modelos vivos. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una persona que tenía una cara interesante, la seguía durante todo el día para poder observarla y dibujar con detenimiento. Dibujo del asesino de los Médicis Bernardo di Bandini Baroncelli, ahorcado. 1470. Obra de Leonardo da Vinci Drapery study. Obra de Leonardo da Vinci Estudio de vestido. Obra de Leonardo da Vinci Head Studes, 1503-1505. Drawing. Museo de Bellas Artes de Budapest. Budapest. Hungría. Obra de Leonardo da Vinci Rearling Horse, 1483-1498. Tiza roja y lápiz. 15,5 x 14 cm. Gabinete Nacional de diseño y estampación. Florencia. Italia. Obra de Leonardo da Vinci El Gran Caballo. No ha llegado a nuestros días ninguna de sus esculturas. El proyecto escultórico de Leonardo del que más se sabe es el que de una estatua ecuestre que representara a Francisco Sforza, padre de Ludovico el Moro. Sobrepasaba en tamaño las otras dos estatuas ecuestres de bronce del Renacimiento: Gattamelata de Donatello en Padua y Bartolomeo Colleoni de Verrocchio en Venecia. Leonardo ejecutó en arcilla el modelo, conocido como el "Gran Caballo".Estaba previsto que fuera una estatua en bronce, de 8 metros de altura, y se alzaría en Milán. Se prepararon 70 toneladas de metal para moldearla. El monumento quedó sin acabar durante varios años, lo que no era inusual en Leonardo.En 1495 el bronce se usó para fabricar cañones para el Duque en un intento de salvar Milán de los franceses bajo el reinado de Carlos VIII de Francia en 1495. Por iniciativa privada, se construyó en 1999 en Nueva York una estatua construida según sus planos que fue donada a la ciudad de Milán, donde se erigió. Sus anotaciones. Leonardo no fue un pintor prolífico pero, en cambio, fue un dibujante muy productivo; llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para dejar constancia de todo lo que había atraído su atención. Además de sus notas, existen numerosos estudios de sus pinturas, del que algunas son bocetos preparatorios de obras como Adoración de los Magos, La Virgen de las Rocas y La Última Cena. Algunos inventos o proyectos Un diseño para una máquina voladora, c. 1488. Obra de Leonardo da Vinci La máquina voladora. Uno de los sueños (de los cientos que tuvo) de Leonardo fue construir una maquina capaz de volar, para ello el toscano se fijo en el vuelo de los pájaros. Hay multitud de anotaciones en sus cuadernos referentes al estudio de las aves y murciélagos, mediante concienzudas disecciones y de cómo vuelan. He aquí un bello ejemplo del Códice Atlántico: Leonardo dijo: “Un pájaro es una maquina que funciona según las leyes de la matemática. Está al alcance del hombre reproducir esa máquina con todos sus movimientos, aunque no con su misma fuerza…A esa máquina construida por el hombre solo le faltaría el espíritu del pájaro, y ése es el que el hombre ha de imitar con su propio espíritu”. Esta máquina constaba de un tablón bastante tosco de forma curva, aunque en el dibujo no se vea, con una escalera y un pie retráctil, la fuerza motriz era unas alas (están dibujadas encima del aparato con las ruedas posadas) y que eran accionadas por una manivela. Hace una referencia al diseño de las patas con un amortiguador. La bicicleta. Las primeras noticias que se tienen sobre una bicicleta datan del año 1490, aproximadamente, en la obra Codex Atlanticus, de Leonardo da Vinci. En ellos puede verse un boceto de una bicicleta con transmisión de cadena impulsada por unos pedales, mismo método empleado por las actuales. El helicóptero. Hacia el año 1490, Leonardo da Vinci fue la primera persona que diseñó y dibujó en unos bocetos un artefacto volador con un rotor helicoidal, pero hasta la invención del avión motorizado en el siglo XX no se iniciaron los esfuerzos dirigidos a lograr una aeronave de este tipo. Leonardo estaba fascinado por la forma helicoidal, muy común en la naturaleza, e involucrada en el principio de la hélice. Aplicando una variante del principio de Arquímedes, su hélice aérea -un modelo a escala- antecede al helicóptero y a las hélices de nuestros días. Leonardo dijo: Esta máquina, lógicamente, no habría podido volar jamás, pero ofrece un concepto científicamente exacto, en el mismo principio se basan los modernos helicópteros, en los que la gran hélice horizontal obra exactamente como este tornillo, con la ventaja de actuar a una gran velocidad. El carro de combate. Leonardo dijo: “Estos tomarían el lugar de los elefantes en el campo de batalla. Se pueden inclinar. Se puede estar dentro de ellos para desparramar terror en los caballos enemigos, y se pueden poner carabineros dentro para romper las formaciones enemigas” Así describe Leonardo su visionaria maquinaria de guerra, y no era para menos ya que en el período que comenzaba a idear sus artefactos bélicos su ciudad adoptiva, Milán, se encontraría en guerra contra los franceses, contra otras ciudades italianas -especialmente Venecia-, los alemanes, los austriacos, los suizos, los otomanos y los húngaros… entre otros. Preocupado por esto nuestro genio Renacentista no solo diseñó la Condotta, una formación de unidades especializados en distintas tareas y funcionales unas a otras. Sino que además pensó en herramientas tales como armas de fuego rápido y hasta ataques aéreos. De hecho su idea de ejército ideal era muy parecida a los ejércitos actuales, donde un grupo de unidades extremadamente diferentes y con distintas aplicaciones se conjugaban entre si para causar el mayor daño posible al enemigo. Sin embargo, de todos estas ideas, serían los tanques uno de sus prototipos más visionarios y desarrollados. El odómetro. Da vinci invento una carretilla de medir distancias. Cada 1,5 metros, un eje da una vuelta y la rueda vertical avanza uno de sus treinta dientes. Cada 45 metros, ésta mueve la rueda horizontal y cae una canica a la caja. Mejora el de Herón de Alejandría y precede a los actuales medidores digitales. El pre-robot. Leonardo Da Vinci había imaginado el concepto de robot: un autómata creado a partir de una armadura medieval ítalo-germana de caballero. Las notas de diseño fueron encontradas en 1950, pero no se sabe si Leonardo alguna vez intentó construir el ingenio. Gracias a los planos, se cree que el robot sería capaz de realizar movimientos humanos: podría haberse sentado, mover los brazos, cuellos y la quijada. La grua. Grúa giratoria inventada por Leonardo. Montada sobre una plataforma de rodillos, está provista de una caja de contrapeso y de un cabestrante dotado de un freno dentado. Las grúas modernas son parecidas. Leonardo dijo: De este diseño se saco la grúa real, la cual davinci invento, esta claro que era un gran hombre con siglos de adelanto. El automóvil de Da Vinci. Está formado por un carro de madera con varios muelles ballesta para regular el movimiento, al tiempo que la propulsión proviene de dos muelles de espiral colocados en la parte baja del prototipo y que le permiten recorrer varios metros de forma autónoma. La máquina está dotada de un rudimentario diferencial, que permite controlar la dirección. Leonardo dijo: Este Auto de davinci ya fue construido en una maqueta y fue comprobado que si puede andar algunos metros. El barco de palas. Barco con propulsión de paletas proyectado por Leonardo. Este barco está dotado con un mecanismo de ruedas con paletas, de unos 90 cm. de largo. Este mecanismo, al ser accionado con las manos, pondría en movimiento las paletas y lo haría navegar a velocidad considerable. Según sus cálculos, haciendo realizar a la rueda dentada (movida mediante una manivela) cincuenta vueltas por minuto la embarcación avanzaría a la velocidad de 50 millas por hora. Tal tipo de propulsión encontraría aplicación sólo tres siglos después con la navegación a vapor. La ametralladora. Leonardo estudió cómo aumentar la intensidad del fuego de las armas ligeras; previó el empleo de numerosas bocas de fuego montadas sobre una única cureña y de pequeños proyectiles o explosivos que, cargados en un solo cañón, se esparcirán después del disparo. Construida con diez cilindros que pueden dispararse uno a uno o simultáneamente según la necesidad. El diseño de Leonardo se usó hasta bien avanzado el siglo XVIII, asi que si sirvio. Los buques blindados. El dibujo muestra un buque equipado con una luz de proa protegido por metal y se utiliza para embestir los barcos enemigos. Un escudo que cubre la rotación, se abre durante la fase de embarque de ataque. El escudo proporcionan protección contra los barcos enemigos y permitió que el buque acercarse al enemigo sin el cañón que se observa. El escudo no se abre para revelar el cañón hasta que el buque blindado choque contra un barco enemigo, o se acerque demasiado al evadirla. Las pantallas están conectadas a un sistema de tornos que se abren muy rápido, mejorando el factor sorpresa. Una vez sumergido en el agua, los escudos también podría funcionar como un freno para compensar el retroceso del cañón. Los escudos se cierran a través de un sistema de tornos manuales. Las bombas de racimo. Da Vinci también diseñó proyectiles grande, compuesta de conchas redondas colocadas en torno a separadores de hierro y cosidos dentro de una cubierta flexible. Una vez disparadada, esta invención explotaba en muchos fragmentos y de este modo había un mayor alcance e impacto que un cañón de una sola bola. La fortaleza Da Vinci. Leonardo diseñó esta fortaleza con la idea de mantenerse a salvo de los ataques. La forma de elaboración es innovadora y, presumiblemente, podría haber sido una defensa eficaz contra el impacto de proyectiles de artillería mortal. La fortaleza de Da Vinci podría ser considerada por muchos como muy moderno en su diseño con torres circulares y paredes exteriores ligeramente inclinada diseñada para absorber los ataques de armas de fuego. El señor del castillo vivía en el centro del complejo, que, de acuerdo a los planos originales también cuenta con un pasaje subterráneo secreto. Armas de asedio. El modelo propuesto por Leonardo representa una máquina diseñada para atacar murallas defensivas, que consiste en una estructura móvil con un puente de blindados que se apoya en los muros de una fortaleza enemiga, mientras que las tropas penetran en la ciudad o castillo. Además de nuevas máquinas, Da Vinci propone sistemas clásicos para su uso en muros enemigos. La escalera se fija a un soporte especial, compuesto por los apretones de la rueda dentada. Una manivela hace girar la rueda hacia atrás y adelante que levanta y baja la escalera. La catapulta. El diseño básico de la catapulta había estado en uso durante cientos de años antes de que Da Vinci se embarcara en su mejora. Este diseño utiliza un resorte de doble hoja para producir una enorme cantidad de energía para propulsar proyectiles de piedra o materiales incendiarios a grandes distancias. La carga de la hoja se llevó a cabo mediante una manivela al lado de la catapulta. Ballesta gigante, 1485-1488. Dibujo. 20,2 x 27,25 cm. Codex Atlanticus. Pinacoteca Ambrosiana de Milán. Italia. Obra de Leonardo da Vinci. La grán ballesta, es tan grande que las seis ruedas se fijan en un ligero ángulo con el fin de aumentar su estabilidad. Esta gigantesca ballesta lanza bolas pesadas, en lugar de flechas. El arco está hecho con piezas de madera flexible unidos por cuerdas y en su lugar girando los pernos. Tiene una duración de unos trece metros y se extiende por un complejo mecanismo de tornillo. Instaló tornos para regular la tracción en el lado trasero de la proa, que también estableció un mecanismo de tornillo, destinadas a reducir la fuerza necesaria para tensar el arco de movimiento. El cañón desmontable. Los cañones eran muy pesados y los vagones utilizados para el transporte a menudo eran difíciles de manejar. Leonardo se dignó es diseñar una estructura que pudiera ser fácilmente desmontado y transportado, lo que permite el cañón ser movido fácilmente. Springald. El Springald, un dispositivo que lanza rocas de gran tamaño o piedras se asemeja a una ballesta. Ejemplos de springalds fueron dibujados por Leonardo da Vinci durante un período en el que también se elaboraron armas impulsadas con polvora. Aunque varios ejemplos se encuentran reconstruidos, no se conocen restos arqueológicos de estas máquinas. Es muy probable que los materiales utilizados para hacer que fueron reciclados cuando ya no eran útiles. Dibujo de Leonardo da Vinci de un carro de asalto con guadañas Sus códices. Leonardo tenía la costumbre de llevar encima libretas en las que iba anotando bosquejos, observaciones escritas sobre cualquier cosa que despertaba su ilimitada curiosidad o reflexiones, que luego compilaba en cuadernos de tamaño mayor. Se cuenta que Leonardo primero dibujaba y a continuación añadía los textos explicativos en los huecos que dejaban las ilustraciones. Normalmente escribía una página y dejaba las siguientes en blanco para completar el tema en un futuro próximo, que no solía llegar nunca, así que, tiempo después, aprovechaba los huecos para anotar otros asuntos. Luego después de la muerte de Leonardo, quedaron bajo la custodia de su fiel discípulo Francesco Melzi, quien dedicó gran parte de su tiempo a clasificarlos. Los escritos recuperados de Leonardo están hoy divididos en varios Códices: Códice Arundel, Códice Ashburnham, Códice Atlanticus, Códice Forster, Códice Inst. de Francia, Códice Madrid, Códice Romanoff, Códice Trivulziano, Códice Vuelo de los pájaros y Códice Windsor. Anatomía humana Estudio de vulva. Autor: Leonardo da Vinci. 1513 h. Dibujo. Royal Library, Windsor Castle. Tras un período en el que el arte, el dibujo, se habían centrado casi exclusivamente en representaciones religiosas, resulta impactante enfrentarse si ningún tipo de matizaciones con una vista directa de la vulva femenina. Hemos de situar este dibujo en una época en la que los estudios de medicina se realizaban sobre tratados en latín, griego y árabe, si ningún tipo de ilustración ni esquema, tan sólo descripciones escritas llenas de eufemismos y circunloquios. Realizar una disección era delito castigado por la Inquisición. Y por supuesto, el cuerpo humano era el templo de Dios, inmune a cualquier investigación o estudio.En este ambiente, Leonardo fue acusado en varias ocasiones ante el tribunal de la Santa Inquisición por sospechas de brujería y nigromancia. Leonardo posiblemente efectuó disecciones ilegales de cadáveres robados, y de ahí las acusaciones, de las que siempre se libró. Sus intereses sobre anatomía eran básicamente dos: el sistema circulatorio, en el que creía estaba el secreto de la vejez y la muerte; y el sistema reproductivo femenino, donde obviamente se origina la vida.En el dibujo podemos ver que Leonardo relaciona directamente la vulva femenina con las flores, puesto que el sistema de reproducción debía ser similar. También la botánica le proporcionó los indicios necesarios para explicar los misterios de la circulación y su decadencia física.En cualquier caso, se trata de la primera muestra de interés por el funcionamiento físico del cuerpo humano, lejos de las creencias místicas que lo consideraban una creación divina inaccesible a la razón humana. El feto. Realizó uno de los primeros dibujos de un feto dentro del útero. Estudios de embriones, hacia 1510-1513, pluma sobre tiza roja, 30,5 cm. × 20 cm., Biblioteca Real, Castillo de Windsor. Obra de Leonardo da Vinci Útero. 1510-1513. Dibujo. 30 x 20 cm. Royal Library. Castillo de Windsor. Windsor. Inglaterra. Obra de Leonardo da Vinci Estudio anatómico del brazo, c. 1510. Obra de Leonardo da Vinci Apuntes de anatomía. Obra de Leonardo da Vinci Estudios anatómicos, c. 1510. Obra de Leonardo da Vinci Anatomía humana. La formación inicial de Leonardo sobre anatomía humana comenzó mientras aprendía con Andrea del Verrocchio, quien insistía en que todos sus alumnos tuvieran conocimientos de anatomía.Como artista, pronto fue un maestro de la anatomía topográfica, realizando numerosos estudios sobre músculos, tendones y otras características anatómicas visibles.Puso las bases de la anatomía científica, diseccionando los cadáveres de los criminales bajo estricta discreción, para evitar la actuación de la Inquisición. Realizó muchos dibujos sobre anatomía humana, de huesos, músculos y tendones, del corazón y el sistema vascular, del sistema reproductivo y otros órganos internos, y gráficos sobre la acción del ojo. Los dibujos sobre anatomía humana de Leonardo da Vinci ven la luz, la mayor exposición de estudios sobre el cuerpo humano elaborada por el genio florentino. 'The cardiovascular system and principal organs of a woman'. Uno de los dibujos de la anatomía humana que hizo Leonardo da Vinci (Royalcollection.org.uk) Durante más de 300 años permanecieron ocultos en una encuadernación de piel. Leonardo legó sus cuadernos de notas y dibujos a su joven ayudante Francesco Melzi. Estos habrían transformado el conocimiento europeo de la anatomía humana de haberse hecho públicos mucho antes, según expertos. Según los expertos, esos dibujos, que se exhibirán al público en la Queen's Gallery (en el palacio de Buckingham), habrían transformado el conocimiento europeo de la anatomía humana de haberse hecho públicos mucho antes. En cambio, permanecieron guardados en un álbum de pasta de piel hasta el siglo XX. Entre 1489 y 1513, el maestro creó detallados estudios de los huesos, músculos y órganos internos humanos, como el corazón o el cerebro. Recto: The layers of the scalp, and the cerebral ventricles. Verso: Studies of the head Da Vinci murió antes de organizarlos.La intención de Da Vinci era publicar esos estudios en un tratado sobre anatomía, pero en el momento de su muerte, en 1519, su investigación anatómica aún figuraba entre los documentos privados (y desorganizados) del artista. Leonardo legó sus cuadernos de notas y dibujos a su joven ayudante Francesco Melzi, quien murió en 1570. Leonardo legó sus cuadernos de notas y dibujos a su joven ayudante Francesco MelziEse año, tras el fallecimiento de Melzi, su hijo vendió los dibujos del pintor italiano al escultor Pompeo Leoni, que se encargó de mantenerlos unidos en un álbum, junto con otros cientos de dibujos artísticos. Leoni grabó su nombre, junto al de Leonardo, con letras de oro en la cubierta del álbum, donde se puede leer: "Dibujos de Leonardo da Vinci, preservados por Pompeo Leoni". Según explicó hace unos días el comisario de la exposición, Martin Clayton, a los medios británicos, la encuadernación de Leoni representa "una parte enormemente importante de la historia de 500 años de los dibujos anatómicos de Leonardo". "Durante 300 años, el cuaderno fue, a efectos prácticos, la tumba de los dibujos. Los mantuvo juntos, y en condiciones maravillosas, pero también propició que no circularan ni se publicaran", indicó este experto. Los dibujos tan solo vieron la luz "alrededor de 1900 y ahora sabemos que figuraban entre los dibujos anatómicos más increíblemente detallados y precisos de todos los tiempos", subrayó. A male nude from behind. Leonardo da Vinci. The Queen's Gallery, Buckingham Palace Ver dibujos de Leonardo da Vinci 'Anatomist', enlace: http://www.royalcollection.org.uk/e...vinci-anatomist Tumba de Leonardo da Vinci, Castillo de Amboise (Francia). En 1516 Leonardo se trasladó a Francia, a la corte de Francisco I, al castillo de Cloux, cerca de Amboise, donde murió el 2 de mayo de 1519. Ver más obras de Leonardo en Artehistoria: http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/gal2516-1.htm Ver más obras de Leonardo en la Wikipedia: http://es.wikipedia.org/wiki/Leonardo_da_Vinci Ver trabajo dedicado en el foro de xerbar a sus discípulos: http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=12342